1000 Dischi Per Un Secolo: un expreso con Enrico Merlin

Image Credits: Enrico Merlin © Barbara Rigon

14 de abril, 2021

1000 Dischi Per Un Secolo (1000 discos para un siglo) es el título de un volumen monumental editado por la editorial Il Saggiatore y escrito por Enrico Merlin, músico, compositor y escritor que con esta obra cuenta un siglo de música a través de sus oídos, su mirada y su sensibilidad, con la apertura mental hacia todos los géneros musicales propia de quienes se alimentan de la curiosidad y la pasión.

> Ivano Rossato 


¿De dónde surgió la idea de crear un volumen tan ambicioso?
Quería intentar contar una parte de la historia de la música occidental desde una perspectiva diferente, que no era ni la del crítico musical ni la puramente del músico. Y al fin y al cabo, si lo pensamos, ni siquiera la estrictamente histórica o social. Quería intentar un enfoque integrado para tratar de guiar a los viejos y nuevos amantes de la música diversa, hacia la descubierta de nuevos horizontes.
 

Comencé con una selección sumaria de títulos que consideré importantes por diversas razones, comparándome con cientos de textos y artículos especializados. Luego pasé a la organización formal de los datos y la redacción de las fichas individuales. En esta fase, como es fácil imaginar, muchas cosas han cambiado, con constantes dudas y reorganizaciones. El proceso de selección tomó un par de décadas. El de escribir unos dos años, a tiempo completo.

 
¿Qué tenía que tener un álbum para ser incluido en los 1000?
Este es precisamente el punto donde quizás el volumen se destaca de muchas otras publicaciones aparentemente similares. Estos 1000 títulos no fueron seleccionados en base a su popularidad, éxito de clasificación o audiencia de fans, ni siquiera por la idea de la piedra angular social o histórica (o no solo). Todas las obras sonoras tenían que ser innovadoras en al menos uno de los seis parámetros (más uno) que identifiqué como determinantes para la construcción musical: melodía, armonía, ritmo, timbre, dinámica, expresividad (este es un término que también se puede ver). como actitud, enfoque, matriz…) y el séptimo se agrega hablando de la interacción de las partes, es decir, el interplay.
 
En tu opinión, ¿qué es y qué no debería ser una reseña?
Dado que no definiría las fichas en el volumen como “reseñas”, ya que las considero más unas pequeñas guías de escucha, en ellas intento describir lo que ocurre en esas obras sonoras en base al esquema de parámetros antes mencionado (que da vida a un hexaedro, en mi caso en forma de estrella de David). La reseña suele ser más un trabajo de crítico musical o de arte. Y respeto mucho a quienes pueden hacerlo bien. En ese sentido, creo que una reseña debería informarnos sobre el trabajo. En definitiva, veo al revisor como una especie de mediador cultural que, gracias a su competencia, nos ayuda a entrar en intimidad con lo que está hablando. Y, dependiendo de su formación, puede ser más o menos técnico, tocar más aspectos de carácter social, cultural, etc. Pero lo que creo que debe ser fundamental y estar siempre presente es la competencia de quien escribe.
 
 
Los 1000 álbumes que incluiste en el volumen abarcan los géneros musicales más dispares: ¿cuál es el denominador común que une a toda la “buena música”?
Anton Webern dijo que toda obra humana, no solo en el arte, debería caracterizarse por la coherencia. Creo que es importante no perder de vista este elemento. Y sobre todo, no dejar que nuestra idea de coherencia nos traicione en el juicio. Solo si estamos familiarizados con un determinado estilo o lenguaje podremos percibir su coherencia, su equilibrio. Espero haber tenido éxito en contar siguiendo esta metodología y sobre todo espero poder aumentar la competencia y el sentido crítico en quienes me harán el honor de dedicar su tiempo a la lectura.
 
¿Hubo “dudas”? (álbum que ya no insertarías o, más probablemente, otros que te arrepientes de no haber insertado?)
Ah, eso pasa todo el tiempo. Ja, ja, ja… Pero así es como debe ser. Un libro como este no puede y nunca será una fotografía estática. Creo que si lo escribiera hoy para al menos el 5% (que puede parecer poco, pero aún son 50 títulos) probablemente serían diferentes. Sigo descubriendo cosas, cosas nuevas para mí, aunque sea quizás de 1937, que creo que deberían ser divulgadas. Por eso, incluso en las redes sociales suelo presentar discos que considero interesantes.
 
¿Crees que ser músico es también la condición necesaria para poder disfrutar plenamente de una obra, o te “distrae” en unas ocasiones?
Condición absolutamente innecesaria. Se vuelve así cuando tenemos que hacer un análisis específico de un constructo musical, pero estoy convencido de que la obra de arte se comunica no solo a nivel de estructuras, así como no es necesario ser director para entender si una película está bien construida. La sensibilidad artística puede ser innata, pero siempre se puede desarrollar. Y en cualquier caso, los músicos no compran nuestros discos, o casi nunca, ja, ja…
 
Y luego recordemos, como dijo Albert Einstein, que si no puedes explicar algo de una manera sencilla, significa que tampoco lo entendiste realmente. Por lo tanto, encontrar también una manera de explicar cómo funciona el serialismo de Schoenberg incluso para aquellos que no tienen noción de teoría musical, creo que es un desafío agradable, pero necesario de enfrentar. Quizás usando metáforas y juegos de palabras. Solo así será posible dejar claro que, en ocasiones, lo que decimos que no nos gusta es solo el resultado de la falta de comprensión o conocimiento.
 
 
 
La pandemia está poniendo a prueba el mundo de la música que antes ya había visto cuestionados sus paradigmas: ¿qué jugadas crees que deberían hacerse a nivel de la “comunidad musical”?
Esta es una pregunta que llevaría mucho tiempo para exponer teorías, proyectos y posibles soluciones. Desafortunadamente, cínicamente, tengo que admitir que una verdadera “comunidad musical” no existe en la realidad. Es un mundo en el que la mayoría de los protagonistas son bastante autorreferenciales y poco inclinados a compartir. Cuando ocurre suele ser puramente instrumental, apto para la realización de proyectos musicales comunes y solo para el tiempo en el que se nos considera útiles para esa circunstancia. Es triste admitirlo, pero mis cuarenta años de experiencia me han llevado a estas conclusiones. Rara vez los músicos que involucramos en diversas actividades se convierten en verdaderos amigos o colaboradores mutuos. Creo que para realmente empezar a hablar de “comunidad musical” se debe partir de conceptos básicos como reciprocidad, respeto auténtico, contención del oportunismo, disponibilidad para el diálogo, aceptación de la biodiversidad; todos aspectos comunes en el trabajo en equipo en otras actividades y disciplinas.
 
Para ello, personalmente, sigo haciendo un trabajo de difusión independiente. Me gusta y creo que es importante compartir y difundir el trabajo de compañeros que nos han impresionado con sus trabajos. En cambio, esa es una comunidad real, donde están los verdaderos adictos a la música, de hecho fanáticos y patrocinadores que nos han apoyado en este período tan difícil, de alguna manera sin precedentes. Debo decir que nunca como en este año he sentido la cercanía de los melómanos, que me han apoyado comprando libros, discos y con donaciones espontáneas. Mira, este discurso creo que de alguna manera está relacionado con tu pregunta anterior.
 
 
 
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