Un expreso con…
Enrico Pieranunzi
Image Credits: Enrico Pieranunzi © Leonardo Schiavone
8 de septiembre, 2018
De vuelta en el Village Vanguard
Con motivo de su octava presencia en el Village Vanguard, entrevistamos a Enrico Pieranunzi, uno de los artistas de jazz italianos más conocidos y estimados del mundo.
> Ivano Rossato
Ocho veces en cinco años, ¿qué emociones te sigue dando tocar en el Vanguard?
La emoción siempre es muy fuerte, trato de no pensar demasiado, la adrenalina ya crece cuando empiezo a bajar su famosa escalera. De hecho, es una bodega pero está llena de sugerencias e historia. Conozco a todos, empezando por la Sra. Gordon, que fue mi patrocinadora y gracias a quien todo nació allí hace ocho años. Amo mucho Nueva York por la cultura en general, ofrece mucho. Me emociono porque siempre es un sueño, aunque he hecho muchos álbumes, porque tocar allí es una experiencia intensa.
Todavía hoy ¿cuál es tu sueño?
Probablemente digo algo que parece trivial, pero mi sueño es lo de tocar siempre mejor. Por supuesto, necesitas músicos de al lado que sean acordes, pero mi sueño es tocar mejor y mejor. Además de esto, en realidad hay un artista, que no tiene nada que ver con el jazz, con el que me gustaría tocar, y es Sting, un artista de gran encanto porque escribe y arregla bien y tiene algunas ideas interesantes también para los textos. También sería muy agradable colaborar con Brian Blade, que es un extraordinario baterista.
¿Qué significa “tocar bien”, para ti?
Significa que, en esos momentos cuando estás en el escenario y estás improvisando, puedes inventar una música que es más profunda que tú, en la que sabes que estás allí, y que obviamente también tiene una capacidad de comunicación igualmente poderosa, que es una consecuencia de esta verdad, tu verdad, tu historia. Para hacer una comparación, es como un gran actor que logra ser tan expresivo, convincente y completamente en su parte y humano en su expresión, que te atrapa allí y tu no puedes olvidarlo. ¡Casi un momento de trance, un concierto como ese, no puedes sostenerlo y acabas en el hospital! Pero hay situaciones en las que creas una especie de suspensión, un lugar interno que compartes con los demás y que, gracias a los demás, obtienes. Esta es la magia del jazz que siempre es una música de relación, y cuando, gracias a esta relación, puedes tocar tus zonas interiores para mí eso es tocar bien. Es una fusión de inteligencia, sentimiento, habilidades de comunicación en el más alto grado, no necesariamente una cuestión exclusivamente técnica.
¿Qué sigue sorprendiéndote, después de años de increíbles colaboraciones, en el otro músico?
La Belleza. En el otro busco lo mismo que dije hace un momento hablando de mí mismo. Por ejemplo, tocar con Scott Colley me entusiasma porque tiene su propia forma de tocar y dejarse ir con la música. Es muy cromático, tiene un sonido hermoso, está ahí contigo. La presencia en el jazz no es algo teórico, se convierte en un hecho magnético, se crean ondas gravitatorias entre los que tocan. Yo espero ese momento allí. Me siento privilegiado porque ondas así me han venido de músicos como Chet Baker, Charlie Haden, Paul Motian, Joey Baron, y yo he respondido. Mi esperanza es siempre encontrarme en estas olas y que puedo recibir, generar y responder y multiplicar. El verdadero líder es el que sabe cómo reconocer a los mejores músicos con los que rodearse, y sabe cómo hacer que sean los mejores, como Miles, ¡quien para mí fue como una partera!
¿Qué es lo que queda del improvisador de jazz, cuando tocas partituras de música clásica?
Estas son dos “configuraciones” completamente diferentes, especialmente la preparación que necesitan es diferente. Nunca preparas jazz, conoces los acordes y la estructura, pero sabes que cuando lo hagas tratarás de hacer que las cosas sucedan, y estarás en un flujo musical donde hay mucha apertura. Es cierto que en la música clásica hay una partitura, pero siempre hay un gran margen de movimiento para el cual se puede vivir el mismo texto con diferente intensidad y transporte. La palabra clave que a menudo se olvida en el jazz es “interpretación”. La emoción en el jazz no se debe solo al hecho de que improvisas, sino a partir del factor interpretativo de identificación que puedes sacar. El mismo factor puede estar en un camino más obligatorio como una composición clásica.
¿Cómo ha cambiado la forma de vivir la comunidad de jazz y de la música en general, a lo largo de los años?
En Nueva York hay una comunidad muy seria con un sorprendente apego a la tradición. Ellos tienen un gran respeto por aquellos que hacen las cosas bien. Para ellos o estás haciendo música o haciendo un espectáculo. Y en cuanto al espectáculo, son muy fuertes, por supuesto, si piensas en Broadway, en Hollywood… En los últimos años en la comunidad ha habido grietas, por lo que hay un poco de confusión entre el espectáculo y la música. Entonces, a veces se requiere que el músico en Italia sea un showman, mientras que cuando estoy allí en el Vanguard, que tiene una audiencia verdaderamente internacional de todo el mundo, el público se emociona cuando tocas bien, el pacto es claro. Aquí estamos dominados por el pop, la televisión y por un cierto gusto atávico por el espectáculo.
¿Cuál es el desafío más grande para un músico joven hoy y qué consejo le darías?
El mayor desafío es tratar de tener una audiencia. El verdadero problema del jazz, así como de la música clásica, es que están perdiendo al público, especialmente en Italia, y menos en el resto de Europa. Paradójicamente, en los Estados Unidos nunca ha existido el problema del público porque siempre ha sido relativamente poco. Hace ya treinta años recuerdo haber visto un artículo que contaba como el porcentaje de ventas de discos de jazz en los Estados Unidos constituía el 2% del total. Además del agotamiento del público, también existe un problema completamente italiano, que es la ausencia de educación musical en general. Si no escuchas una música, entonces no la buscas y si no la buscas, la audiencia desaparece. Y paradójicamente en Italia nunca ha habido buenos músicos como en este momento. Obviamente es muy importante estudiar y darlo todo, pero también intentar ser ecléctico: por ejemplo, si eres un pianista o un guitarrista, entonces te sugiero que también seas un arreglista, no solo que toques bien. Y también componer; es esencial escribir tu propia música. Mi carrera proviene en gran medida de las composiciones que escribí, al menos la mitad de la mía, llamémosla, “fama” proviene de la música que compuse. Por ejemplo, tal vez escuches a un chico de 20 años que improvisa como Herbie Hancock, ¡pero Hancock ya está allí! Y probablemente salgan otros, así que no es suficiente tocar bien como él. En cambio, si haces tu propia música, la imagen que ofreces es mucho más fuerte y atractiva. Por ejemplo, con los estadounidenses en Vanguard, yo toco mis canciones, mi música. Mientras tanto, porque me alegra escuchar a estos grandes músicos interpretar un tema escrito por mí, y luego, si tienes ideas, si tienes un estilo personal, eso te da más identidad. Siempre presiono a todos para que compongan y aprendan a arreglar de manera que, si no eres un gran solista, puedes formar un grupo con cualquier componente.
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