Jazz voice: un expreso con Laura Avanzolini

 

4 de agosto de 2021

Entrevistamos a la cantante Laura Avanzolini quien alterna su actividad como profesora de canto con la artística, expresada de forma natural en diferentes formaciones con las que ha grabado a lo largo de los años Skylark (Zone di Musica, 2013), Quando Mi Innamoro In Samba (Egea, 2013), I’m all smiles (Dodicilune, 2016), Songs (Alfa Music, 2017) y una exitosa reinterpretación de las composiciones de Burt Bacharach con Laura Avanzolini Sings Bacharach (Dodicilune, 2019).

> Ivano Rossato 


¿Qué te fascina del “instrumento voz”?
En el cuento “Un re in ascolto” Italo Calvino escribió: “Una voz significa esto: hay una persona viva, garganta, pecho, sentimientos, que empuja al aire esa voz que es diferente a todas las demás voces”. Cito a menudo esta frase en los primeros encuentros con mis alumnos para recordarles, pero sobre todo a mí misma, que el carácter extraordinario de la voz radica precisamente en su singularidad; la voz es una especie de abrigo invisible que siempre y en todo caso usamos y que varía con las estaciones del corazón y la mente.
 
 
Antes de canto, estudiaste piano y guitarra, ¿qué crees que “aportaste” al canto de la experiencia de esos dos importantes instrumentos?
Cuando era niña, cantar era una práctica muy natural y familiar, algo que hacíamos sin pensarlo mucho y sin mucho esfuerzo. Cuando comencé a estudiar piano tenía cinco años y no había clases de canto para ese grupo de edad; el canto se ha puesto de moda en los últimos veinte años por motivos relacionados con el mundo del entretenimiento y los talent show. En los 90, el canto se estudiaba solo después de haber completado la mutación de la voz y casi siempre se estudiaba canto lírico.
El estudio del piano y de la guitarra me transmitió en primer lugar unos contenidos musicales básicos que marcaron la diferencia cuando decidí convertirme en músico. Adquirí habilidades a las que ya no tenía que volver ni una vez que comencé a estudiar jazz. Después de muchos años también pude arrojar luz sobre la relación entre talento y rigor, predisposición y determinación, polos entre los que se fluctúa constantemente tratando de encontrar la interpretación más agradable y eficaz.
¿Cómo cambia tu enfoque en la interpretación de canciones originales, estándares tradicionales o relecturas como las de las canciones de Burt Bacharach?
Trato las composiciones con rigor respecto al concepto de “original” y el pensamiento del autor/compositor informándome lo más posible, al mismo tiempo busco lo que ya no está en cuanto a la interpretación de los textos (donde presente) escarbando un poco en mi sensibilidad, incluso a costa de forzar y exagerar para descubrir nuevos enfoques sonoros. Ahora mismo estoy trabajando en profundidad en mi “paleta de sonidos”, por un lado quiero enriquecer mis colores y por otro lado identificar los que son más naturales para mí – de hecho, las dos cosas no necesariamente coinciden. Creo que, en última instancia, una narrativa sonora tiene que ganar independientemente del contenido musical específico.
 
 
Desde el dúo al trío, pasando por la gran orquesta… ¿hay alguna dimensión que te resulte especialmente agradable?
Soy géminis con ascendente en géminis, ¡así que las decisiones siempre las toman cuatro!… Ironía a un lado, responderé con un concepto tomado del mundo del cine: cantar en diferentes conjuntos es un poco como trabajar, si fuera actriz, con diferentes cast y directores. Por un lado, descubres algo nuevo sobre ti y tu voz gracias a los diferentes enfoques implementados, por otro lado, siempre impresionas tu figura estilística y expresiva en el personaje. Más concretamente, en la dimensión del dúo eres mucho más libre, condición que me estimula pero que he aprendido a apreciar con el tiempo; hay que aprender a disfrutar de los momentos de máxima apertura, en los que nadie sabe realmente lo que va a pasar. En trío los contrastes sonoros aumentan mientras se construye la energía del grupo; de cuarteto a septeto a big band, los roles tienden a ser más definidos y es educativo, además de gratificante, experimentarlos.
 
 
También eres profesora: si tuvieras que destilar una sola lección para transmitirla a un joven músico, ¿cuál sería?
Los jóvenes músicos de hoy viven una época muy frenética en la que el tiempo de estudio se fusiona con el de la profesionalidad también gracias a las tecnologías y las redes sociales. Todo esto representa en cierto modo un valor y una riqueza, pero cada vez estoy más convencida de que es necesario mirar al pasado para comprender verdaderamente el presente. Vivimos en una época muy competitiva que me desestabiliza ante todo como madre así como también como profesora y música, creo que la determinación y el logro de metas se debe diluir con una saludable dosis de “otium” latino, un tiempo de vacío en el que disfrutar de otras actividades o interesarme por otros campos del conocimiento, en lo que a mí respecta, elemento vital esencial y fuente de inspiración para el camino artístico.
 
¿Cuál será el próximo proyecto que darás a la imprenta… o al escenario?
Estoy trabajando en un disco de estándares y canciones originales que comparten el mismo tema, el “sueño”. Me gustaría dar una lectura personal de la dimensión onírica y sus posibles declinaciones a través de las composiciones elegidas. Me involucré escribiendo textos originales y mezclando repertorios, es una operación de frontera y todavía estoy trabajando en eso.
 
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