Mirroring: un expreso con Paolo Sorge

¿Puedes explicarnos el curioso título del disco, Mirroring?
Antes que nada, muchas gracias por el espacio que me dedican, porque les puedo garantizar que en este momento histórico es particularmente importante dar a conocer el trabajo de algunas producciones independientes e invitar al público a salir de casa para participar. en conciertos, además de escuchar los nuevos lanzamientos discográficos. La música es un lenguaje y como tal necesita ser experimentada en los lugares propicios para la comunicación, para la escucha y por lo tanto para las relaciones personales, no sólo a través de la reproducción mecánica.

Dedicar toda una vida a la música, especialmente para aquellos que como yo intentamos decir algo personal en libertad y yendo más allá de los modelos preestablecidos, es un acto de responsabilidad, una forma de asumir un rol en la sociedad que su música de alguna manera quiere “reflejar”.

Mirroring es un título que hace referencia al espejo, la principal fuente de inspiración que usé al escribir la música para mi nuevo proyecto. Es una sugerencia que puede adquirir muchos significados poéticos para el oyente y al mismo tiempo un pretexto lúdico para mí, ya que he utilizado aquí y allá algunas técnicas compositivas de escritura “de espejo” o inventado títulos palíndromos para las piezas como ” Avida Diva” o “Aci, su mare era musica”.

Las composiciones fueron escritas durante el aislamiento: ¿crees que el momento las influenció? ¿Y cómo trabajas en la escritura y para los arreglos en general?
Durante el aislamiento de 2020 tuve mucho tiempo disponible para componer y diseñar mi música, y este es un elemento de resiliencia que muchos músicos pudieron captar en ese momento histórico surrealista en el que era imposible realizar conciertos o asistir a otros músicos. La soledad puede ser una condición favorable para la creatividad, incluso por el mero hecho de disponer de mucho tiempo para estudiar, leer, meditar, experimentar.

Buscando en mis notas encontré fragmentos de unas composiciones mías completas o solo esbozadas. A uno de estas le di el título de “Reperto” precisamente porque estaba en forma de manuscrito a lápiz en un cuaderno mío de 1991. Así que sometí estas notas, algunas antiguas y otras más recientes, a una revisión y luego hice algunos primeros borradores. Luego completé la redacción y realicé algunas audiciones por mi cuenta, mientras que estaba de vacaciones en la isla de Linosa, un pequeño paraíso donde voy a pasar mis momentos de descanso del verano, antes de conocer a los músicos de mi nuevo cuarteto.

¿Cuáles son los elementos nuevos (si los hay) en comparación con tus discos anteriores?
Diría que el primer elemento de novedad está en la elección de los músicos, todos residentes en Barcelona y mucho más jóvenes que yo. Giuseppe Campisi, contrabajista y compositor de jazz que viene de la provincia de Catania, mi ciudad natal, vive desde hace un tiempo en Cataluña donde ha entrado muy bien en el ambiente musical con importantes colaboraciones y proyectos propios.

Lluìs Naval es uno de los bateristas más versátiles con los que he tocado. Tiene el don de la claridad cuando toca y luego, quizás porque tiene experiencias musicales previas como pianista, tiene la capacidad de mantener siempre muy clara la conciencia de las formas compositivas que tocamos. Lluìs es otro músico de referencia para muchos proyectos emergentes en Barcelona.

Santi De La Rubia en su país es ya uno de los tenoristas de referencia en el panorama del jazz contemporáneo. Posee un sonido hipnótico muy personal con un registro agudo extraordinariamente preciso y afinado, además es un virtuoso de su instrumento así como un profesor de gran prestigio en el ámbito académico. Así que la verdadera noticia para mí es estar con un cuarteto siciliano-catalán y grabar y tocar en Barcelona.

¿Ser siciliano/italiano influye en la música que tocas en tu opinión?
Sí, supongo que sí. El jazz siempre me ha pertenecido como lengua materna porque es la música de la que me alimento desde niño porque se escuchaba en casa, pero el contexto sociocultural en el que se desarrolla esta música es radicalmente diferente a aquel en el que crecí. Me formé no solo tocando música de improvisación afroamericana sino también, como guitarrista y compositor, a través de la música europea.

La característica esencial del jazz que quiero mantener en mi música es esa forma expresiva referida al presente, de gesto sonoro irrepetible y en cierto sentido irreproducible porque se concibe y actúa en el mismo momento. La grabación de determinada música es un artificio, por tanto, que no puede sustituir, como decía, la experiencia de participación activa en un concierto. Vivir y experimentar la música en los lugares donde se lleva a cabo es el verdadero reto para los músicos en un escenario como el que estamos viviendo, donde el streaming y el vídeo parecen ser la principal forma de disfrutar de la música. No puede ser así, hoy más que nunca necesitamos emociones y experiencias concretas, inmersivas y no mediadas por protocolos de transmisión digital y telemática.

¿Cómo eliges a tus colaboradores musicales?
Me baso precisamente en la posibilidad concreta de encontrarme con los músicos con los que quiero tocar, diría en un criterio geográfico. El cuarteto ítalo-catalán implica la voluntad de inaugurar un eje Catania-Barcelona por el que viajar más y construir la posibilidad de recorrer las regiones intermedias.

Por lo demás, trato de juntarme más a menudo con músicos sicilianos como yo porque necesito juntarme con la gente con la que toco durante mucho tiempo para madurar algunas cosas. Trabajo en producciones y composiciones originales y siento fuertemente la necesidad de ensayar a menudo, de “hacer un laboratorio” antes de tocar para el público o grabar.

Recientemente he estado experimentando en un trío con Carmelo Venuto, contrabajista de Catania, y Emanuele Primavera a la batería con el objetivo de ofrecer mi música en el formato clásico del trío.

¿Qué es el jazz para ti?
Vivir el instante presente e irreproducible, expresarse libremente, la búsqueda de la propia voz, el amor por el sonido, y luego esa especial tensión dialéctica entre texto musical y abstracción extemporánea, escritura e improvisación, solista y colectivo.

¿Cómo te ves dentro de diez años?
Cada vez más enamorado y entregado a la música, con la que tengo una relación casi espiritual. A veces pienso en la música como una entidad autónoma, con sus propias razones de existir que los músicos tenemos que secundar y transmitir. Dentro de diez años también seré mayor y me aburriré cada vez más de esos músicos que llevan máscaras, posan a la moda del momento, imitando el sonido ajeno, traicionando así una de las lecciones más importantes de los grandes maestros del jazz del siglo pasado: ¡haz lo tuyo, hazlo a tu manera!

A los operadores del sector, a los directores artísticos de los clubs y festivales más importantes de nuestro país, les quiero sugerir una escucha atenta, con auriculares y en la oscuridad, de mi nuevo disco y de muchas otras producciones de músicos que están normalmente descuidado en la programación. Creo que mi música -me tomo la libertad de decirlo después de 35 años de actividad- es totalmente adecuada a sus programaciones. Veo en cambio que prefieren los nombres habituales ya conocidos o quizás los proyectos que ya tienen un alto porcentaje de “visitas” en las redes sociales. Eso es, la música es el arte de los sonidos: funciona incluso en la oscuridad, ¡y la calidad no puede depender únicamente de la calidad de los videos y de las vistas!