Different Roots: un expreso con Rodrigo Faina

Image Credits: Rodrigo Faina © Kaothic Alice

23 de marzo de 2021

El 12 de febrero Red Piano Records, con sede en Brooklyn, lanzó “Different Roots“, el nuevo álbum de Rodrigo Faina and the Change Ensemble, el compositor argentino afincado en Holanda nos habló de su nuevo trabajo. 

> Ivano Rossato 


¿Cómo nacieron las composiciones de Different Roots? ¿Qué proceso de composición y grabación seguiste?
El jazz tuvo un lugar muy importante en mi formación musical y en mis inicios con la música, pero durante muchos años pasó a un segundo plano y me sumergí por completo en la música clásica contemporánea. Me lo debía a mí mismo lo de hacer un disco para un gran conjunto con una fuerte influencia jazzística y que al mismo tiempo mostrara influencias de otros tipos de música que realmente me gustan y que en mayor o menor medida son parte de mi lenguaje musical. De ahí surgió la idea de hacer un disco para un gran conjunto que tenga cierta similitud con una Big Band, pero que incluya otros instrumentos y sonoridades. Además de eso, no quería hacer uso de ninguna de las técnicas y estructuras que ya se pueden escuchar una y otra vez en tantos compositores y arreglistas para big band. Así que me propuse crear un conjunto con un alto nivel técnico que me permita escribir libremente, sin preocuparme por las limitaciones que puedan tener los conjuntos clásicos o los conjuntos de tradición jazzística.

El proceso de composición fue diferente para cada pieza. Ya desde el principio quedó claro que este tenía que ser el caso para que el álbum pudiera tener diferentes colores y las piezas fueran diferentes entre sí. Hay composiciones que nacieron de pequeños fragmentos melódicos que canto, otras de ideas armónicas, de secuencias de intervalos, de ideas más conceptuales. De todos modos, más allá de la idea inicial, siempre soy muy metódico y concibo la pieza en su totalidad antes de empezar a trabajar en ella con más detalle.
 

El proceso de grabación fue bastante largo: el Change Ensemble está compuesto por músicos que tienen una actividad profesional muy intensa, por lo que hubo varias sesiones que estuvieron bastante espaciadas en el tiempo. De todas maneras, muchos de los músicos ya habían tocado juntos en orquestas u otros proyectos y eso ayudó mucho a la hora de interpretar y grabar la música.

 
La música de “Different Roots” es muy sugerente, casi “cinematográfica” … ¿qué te inspira más en el acto creativo?
Las piezas del álbum se inspiraron en un profundo sentido de nostalgia. Por un lado, podría decirte que este sentimiento de nostalgia está asociado con cosas que extraño de mi país, en particular el lugar donde nací, mi barrio, la casa de mi madre y muchas imágenes y recuerdos de los suburbios de Buenos Aires, que son completamente diferentes a cualquier ciudad europea. Pero por otro lado, podría decirte que este sentimiento de nostalgia o tristeza es algo profundo dentro de mí y que siempre me ha acompañado. Es un sentimiento que funciona como una lente a través de la cual observo las cosas que me rodean. Una vez leí que Kenny Wheeler dijo que las melodías tristes lo hacen feliz. Creo que me pasa algo parecido.

Mucha gente menciona la palabra cinemática en relación a mi música, sin embargo la música de cine, salvo casos muy puntuales, no es algo que me emocione demasiado. Lo que sí creo que ocurre es que la música es evocadora y que de alguna manera transmite ciertas imágenes al oyente. Esto último es algo de lo que estoy orgulloso ya que toda la música que amo me saca de la realidad. Creo que esa es una de las cosas maravillosas de la música.
 
 
 
Jazz, música clásica, guitarra eléctrica, voz, percusión, metales … ¿Qué “sonido” tienes en mente a la hora de componer? ¿El resultado final es un arreglo o concibes las obras desde el principio en la forma que el oyente escuchará en el disco?
Desde que empecé con la música siempre me ha sido muy claro que quería tener mi propia voz, nunca me interesó copiar o imitar a otros artistas. Por eso siempre me ha gustado probar diferentes instrumentaciones, estructuras y diferentes enfoques hacia la improvisación. Ésa es la razón principal por la que hace muchos años decidí profundizar en la composición musical. Además, siempre me ha interesado la música que escapa a la categorización en términos de género musical. Creo que se debe a que este tipo de música tiende a ser impredecible y esa es una cualidad que aprecio mucho.

A lo largo de los años junté diferentes conjuntos con diferentes combinaciones de instrumentos que no pude encontrar en ningún otro ensamble. Con estos conjuntos probé muchas ideas diferentes y eso me hizo crecer y me ayudó a encontrar mi propio sonido. Así que este álbum es el resultado de todos esos años de probar cosas nuevas.

Respecto a la cuestión del arreglo, siempre compongo directamente para todo el conjunto, nunca hago arreglos de mi propia música. Creo que un gran conjunto, o cualquier otro conjunto, es un instrumento en sí mismo, en el sentido de que presenta una serie de posibilidades en cuanto a timbre y textura que son únicas para cada conjunto. Creo que si uno compone algo y luego lo arregla, las composiciones pueden perder muchas de esas posibilidades.
 
 
Desde Argentina y el continente americano hasta Holanda y Europa: estilísticamente hablando, ¿qué “trajiste” de tu tierra natal y qué “encontraste” en Europa?
Siempre me ha gustado el tango y la música folclórica de mi país, y por eso esos sonidos y esas melodías siempre han estado presentes en mi cabeza y son parte de mi subconsciente musical. Además, creo que en ese momento en Argentina el jazz no estaba tan ligado a la tradición jazzística norteamericana. Muchos de los músicos profesionales que vi tocar cuando era joven estaban convencidos de que el Jazz hecho in Argentina tenía que diferir de alguna manera del Jazz norteamericano, por lo que muchos artistas tomaron elementos del tango, el folclore argentino u otra música latinoamericana. Esa visión o esa forma de abordar el jazz me influyó mucho.
 
En Europa, me impresionó mucho la música clásica europea, especialmente la música clásica contemporánea. Era algo a lo que ya había estado expuesto en Argentina, pero en Europa es una tradición viva a la que muchos se sienten más cercanos. De alguna manera se respira en sus ciudades, y al escucharlo interpretado por músicos del más alto nivel, todo cambió para mí. A partir de ahí, creo que muchas de mis experiencias musicales tomaron forma y tuvieron sentido.
 
Si las hay, ¿qué diferencias has encontrado en los dos continentes en cuanto a la forma de abordar la música?
En Europa la escena musical es mucho más grande y cada país tiene su propia historia y escena musical, pero los músicos se mueven mucho de un país a otro, por lo que hay muchas corrientes diferentes y formas de abordar la música. En el continente americano las distancias son más largas, por lo que cada país está mucho más aislado y la escena musical, a excepción de Estados Unidos, tiende a ser más pequeña y local.

Además de eso, en Europa todavía hay dinero público destinado a las artes y el negocio de la música es mucho más grande. Eso influye directamente en los músicos y, en un sentido bueno o malo, determina las decisiones artísticas. En Argentina, por ejemplo, no se puede hacer una parte constante de tus ingresos tocando en conciertos de jazz, por lo que muchos músicos solo se preocupan por lo que quieren expresar y lo que quieren decir, y no tanto por el negocio que los rodea, y eso a veces es muy positivo para el arte.
 
 
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